其次，技术过硬、烂熟于心、把握风格。很多人一上台就容易紧张，甚至无法正常流畅的演奏，技术技巧上大打折扣，就更不要提音乐的表达了。那么，这就要求我们在台下的练习要达到台上演奏百分之二百，甚至三百的水准才能保证舞台上的自如。第一，攻克所有的技术难题，能保证台下连续演奏十遍，甚至更多遍都不会错；第二，在台下练习时要达到倒背如流的水准；第三，无时无刻沉浸在音乐之中，多听、多看、多学习各位大师的演奏，找准并明确自己的演奏风格。

再次，及时适应气候与时差的变化。作为一名职业演奏家，无论遇到怎样的状况，你都要时刻保持最佳的状态去适应，时间、地点、气候等等，这都不能成为你演奏不好的借口。这是我大学的导师、新加坡交响乐团长笛首席金塔教授一直告诫我的。印象很深，有一天早上七点，金塔教授给我打电话让我马上来学校，把长笛所有主要的乐队片段演奏一遍。那时候我还没有睡醒，整个人都是懵的，于是上台后我吹得一塌糊涂。这件事情也彻底改变了我演奏上的思维与观念。

最后，主动式学习，基本功的练习尤为重要。中国的学生有一个特点，就是前期学习非常好，到了后期就比不上国外的学生了。很大一部分原因就在于，我们的学生早期学习大多是被动式的接受教育、压迫式的反复练习。而国外的学生更多是主动式的学习，较好的自控力促使他们为了学而练。于是，到了后期，我们的学生回课就变得很机械，甚至觉得差不多就可以了。但国外的学生就会更严格严谨地要求自己，一定要达到某种程度。这种观念的差距也促使了我们程度上的差距。

 

张泽婧老师：在给爱乐青少交的课堂里，尤其最开始的课程，我观察团里同学们大多还处于自我封闭且被动式的练琴状态，他们自己能较好地完成作品，却不知道如何自如、融洽地与其他同学协作。但事实上，在交响乐团里，我们需要具有良好的适应能力、应变能力与协作能力，学会观察、学会倾听、学会融入。比如，能及时应对乐团更换指挥；适应乐团新老乐手的演奏习惯，并做到与乐手良好的配合与协作，而非一意孤行，等等。另外，在乐团里，你个人的音准并不代表乐团整体的音准，适应、贴合整个声部，甚至乐队，这样才是真正的音准。这与个人独奏是完全不同的。

从演奏作品出发，我们需要主动自发的去了解乐曲创作的背景，把握乐曲的风格，掌握乐曲的速度、力度、表情，等等细节的处理。这样不仅能增强我们排练演奏的效率，更能增强我们对乐曲的兴趣，从而能够达到一个良性的循环，帮助我们更有益的诠释作品。